Пластилиновый хоррор для подростков на три минуты? Ни слова больше!

Сценарист анимации (пусть не обижаются на меня сценаристы телевидения и кино, даже осознаю, что могут быть возражения) – вершина и самое сложное направление сценарной профессии. Проработав более 30 лет в индустрии, включая работу в кино, на телевидении, в театре, играх, рекламе – могу это утверждать с полной уверенностью.

Все сценаристы должны знать драматургию, разбираться в жанрах, создавать интересные характеры, писать диалоги, создавать сценарии в необходимом для проекта формате. Но что ж такого должны знать сценаристы анимации, что не обязательно знать остальным сценаристам?

1. Понимание технологии анимации

Игровое кино сегодня местами приближается к анимации. Виртуальные персонажи, локации, фантастические и фэнтезийные миры – основа зрелищного кино.

И всё же в анимации сценарист должен также понимать, чем отличается 2d-анимация от 3d, чем отличается кукольная анимация от пластилиновой, перекладка – от стоп-моушена.

Уже на стадии задумки анимационного сериала или фильма сценарист учитывает будущую технику. От неё значительно зависит повествование: количество локаций, возможность трансформаций героев, тип возможных гэгов, количество персонажей, их внешний вид и многое другое.

Например, если в покадровой рисованной анимации можно самым разным образом видоизменять героев, в том числе для комедийных гэговых сцен, то в 3d производстве персонажи чем-то похожи на кукольную анимацию – они редко трансформируются, и гэги, связанные с ними, больше напоминают гэги из комедии положений игрового кино. Именно по этой причине фэнтезийные сериалы с обилием превращений и новых волшебных существ чаще делают сегодня в 2d, а сериалы «разговорные», с небольшим числом главных героев – нередко создают в 3d.

В кукольной анимации вы можете столкнуться с тем, что у вас есть всего две-три локации, и все серии вашего сериала или весь ваш фильм придётся разыгрывать в этих локаций. Чем-то похоже на театр, не так ли?

Через сюжет можно раскрывать преимущества выбранной техники анимации, и тем эффективнее, чем больше есть знаний об этой технологии. Например, в пластилиновой анимации или в анимации песочной часто можно увидеть «перетекание» одних героев в других.

2. Понимание психологии разных целевых аудиторий

Сценарист анимации, как правило, работает в очень узких целевых нишах (с ним может сравниться по знаниям разве что копирайтер рекламного агентства). Он должен уметь создавать сериал для девочек 4-6 лет и ни в коем случае не перепутать эту аудиторию с мальчиками 10-12 лет. А ведь есть ещё сериалы в нише 0-3 года (!!!). Игровых таких проектов почти не существует, а анимационных – пруд пруди.

Нужно уметь для совсем маленьких рассказывать истории через яркие образы, эмоции, музыку, по-доброму и с улыбкой. Для детей постарше давать уже больше приключений. Для подростков включать яркие эмоции и глубокие переживания. Для семейного просмотра стараться находить истории, интересные как детям, так и взрослым.

А есть ещё образовательные сериалы! Нужно быть чуть-чуть педагогом и уметь рассказывать о Юпитере, о полярном медведе, о пешеходном переходе так, чтобы было понятно и интересно четырёхлетнему малышу.

Отдельно выделю: важно уметь и комедию писать по-разному! Сценарист тут становится аниматором (которые не мультипликаторы), которого оставили с группой детишек у экрана и надо их как-то суметь развеселить. Сегодня это детсадовцы, а завтра внезапно надо веселить старшеклассников.

3. Понимание основ брендостроительства

Самый лучший актёр игрового кино не может стать брендом никакой франшизы. Его так уж сильно не привяжешь к твоему фильму. Завтра он снимется во франшизе конкурентов, и его лицо будет работать уже на них.

А анимационный персонаж всегда связан с твоим и только с твоим фильмом или сериалом. И поэтому теперь сценаристы создают не только сюжеты – они создают персонажи-бренды. Да, многое зависит и от художника. Но именно текстовые авторы первыми придумывают описания героев, их уникальные названия (фиксики, смурфики, тикабо, чебурашки), да и сами названия сериалов, которые есть не что иное, как бренды.

4. Умение работать в разном хронометраже

Рабочий диапазон хронометража серий и фильмов анимационных сценаристов – от 3 до 120 минут. Попробуйте-ка сюжет уложить в 3 минуты!

И при этом есть, конечно, и микросериалы, и музыкальные клипы, и заставки, и трейлеры – всё это тоже должен уметь делать сценарист, работающий в анимационной индустрии.

5. Умение работать в разных жанрах в рамках одного сериала

Буквально в каждом сезоне любого анимационного сериала есть игра с жанрами. Обязательно будет и серия-детектив, и серия-ужастик, и серия-сказка.

Подобно мультиинструменталисту, необходимо играть на разных струнках человеческих эмоций, обращаясь буквально к любому доступному жанру в рамках даже одного и того же проекта.

6. Умение работать в прямом эфире

Даже навык работы в прямом эфире сегодня необходим сценаристам. Ранее эта история касалась лишь редакторов телевидения да радио. Но сегодня с помощью новых технологий можно заставить анимационного персонажа участвовать в прямом эфире, вести шоу и даже выступать на музыкальных концертах.

Ещё в 90-е была телепрограмма «Чердачок Братьев Пилотов», которая хоть и не шла в прямом эфире, но зато само интервью виртуальных Братьев Пилотов с известными гостями записывалось практически вживую. Сегодня есть программы анимации в реальном времени – ими в мире активно пользуются блогеры, стримеры, некоторые телеканалы. Именитые «Симпсоны» в прямом эфире общались с аудиторией, отвечали на звонки, шутили.

Подготовить сценарий для такого события и быть рядом с актёром, чтобы подсказывать ему нужные реплики, – тоже навык современного сценариста анимации.

Более того! Персонажи анимационных фильмов начинают и сами вести свои блоги, участвуют в радиошоу. Далее мне нужно быть аккуратным, чтобы не разрушать детские мечты, но скажу так: я однажды видел сам, как Шарик из «Простоквашино» отвечал на вопросы подписчиков его блога. И Шарику даже понравились несколько моих шуток.

7. Умение говорить с детьми всего мира на одном языке

И есть у анимации важнейшее удивительное качество. Она с лёгкостью пересекает границы, говорит с людьми разных национальностей и культур. Анимационные проекты легче пересекают границы. Российских мультгероев можно встретить и на Западе, и на Востоке.

Это означает, что сценаристы должны понимать детей из разных стран мира и создавать проекты, которые без перевода или после перевода будут понятны всем.


Вот, наговорил я про то, что должен знать сценарист анимации… Но при этом считаю важным добавить ещё кое-что. Не бойтесь анимации, не бойтесь пробовать писать для неё. Это удивительная индустрия, которая заполнена талантливыми, интересными людьми, которые создают волшебные проекты. Погрузившись в анимацию хотя бы раз – никогда её не покинешь. Она захватит твоё сердце и раскроет всё лучшее в тебе как в сценаристе.

Увидимся в титрах, коллеги!